Virginia López

Construido con Berta.me

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    I. textos propios:

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    Virginia López. "Raíces, enjambres, redes y eremitorios"

    texto para el catálogo de la 32 edición de la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias" MAPPA32, Oviedo. 2022. 

    available catalogue on PDF (english, spanish and french)

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    RAÍCES, ENJAMBRES, REDES Y EREMITORIOS

    Virginia López

    Raíces. En la historia vegetal las raíces son algo relativamente moderno. Durante millones de años las plantas vivieron tranquilamente sin ellas. Aun así, es cierto que a través del aparato radical las plantas reciben la mayor parte de la información, sobre ellas mismas y sobre el ambiente en el que están inmersas; las raíces les permiten relacionarse con los individuos limítrofes y así pueden gestionar colectivamente los peligros de la vida. Continúa Emanuele Coccia¹ diciéndonos que las raíces hacen del suelo oscuro un espacio de comunión espiritual; gracias a ellas, la parte más sólida de la tierra se transforma en un inmenso cerebro planetario, una red de intercambio de identidades, información, materiales. Todo esto parece tener un aroma viejo, ese que hace que tradicionalmente se tomen las raíces como metáfora de lo que es profundo, estable, originario, ancestral y necesario. Pues no va por ahí, porque desde la botánica y la filosofía nos avisan que las raíces, desde un punto de vista evolutivo, no han sido las responsables del origen del mundo vegetal, no han sido indispensables o, mejor, son tan necesarias como el resto de los elementos que dan forma y vida a cada organismo. Las raíces son ambiguas, híbridas, y lo que mejor se les da es hacer redes, networking, no están ahí para aislarnos y separarnos, o llevarnos de nuevo a la oscuridad del subsuelo. En el sistema planta todo está conectado, es cambiante e intercambio. La raíz es solo la mitad gemela de un cuerpo, sirve a equilibrar con su movimiento hacia la tierra, la otra fuerza que es la esencia misma de la vida: el heliocentrismo, la fuerza ascendente hacia los astros, la luz y el universo. Las raíces se entienden dentro de un universo del que somos parte, donde todo es cielo porque la tierra es una agregación de materia de naturaleza astral, donde todo es movimiento, inmersión y mezcolanza en un continuo intercambio. Las raíces forman parte de la contingencia, la mezcla, la desviación, el imprevisto, la variedad. Las identidades se van creando constantemente, son móviles, abiertas, múltiples y las semillas vuelan.

     

    Enjambres. Conjunto, estar organizadas, auto-organizadas, pasar por la fiebre previa, consensuar, ir juntas, en grupo, buscando, congregarse para poder pasar las adversidades del invierno, para comer mejor, para comer un poco todas. Mediar, ceder, aportar, equilibrar. Los individuos, que de vez en vez van formando enjambres, cambian, los enjambres se renuevan. Las dinámicas, necesidades, expectativas se parecen, el rumor de fondo es el mismo. Es difícil ser enjambre, pero las circunstancias, el hábitat, la supervivencia te dicen que, a veces, hay que enjambrar. Otras el ruido es excesivo, solo ruido y baile sin rumbo, sin ritmo. Por aquí, artistas, ¿toca hacer enjambre?

     

    Redes. Y ecosistemas [culturales]. Las redes tienen un flujo continuo, son un espacio en el que estar inmersas, es una forma de cohabitar, de estar con. Carecen del furor del enjambre. Las redes son como ese respirar planetario del que participamos. Es estar entretejidos, es reciprocidad, coexistencia. Es raíz, rizoma, linfa hoja. Es ser espiritualmente cósmicos y empáticamente solidarios, no yuxtapuestos o contiguos, sino un acto de compenetración recíproca, entre sujetos, entre sujetos y ambiente, entre grandes y pequeños. En definitiva, ser red es tejer relaciones no solo capaces de influir y modificar el espacio que nos circunda o transmitirlo de generación en generación produciendo cultura, sino la imposibilidad de no compartir el espacio ambiental con otros/otras formas de vida y quedar expuestos, reconocer que el propio hábitat no es nuestra casa, nuestro patio, ciudad o región, no es un reducido grupo de amigos y profesionales, estar en un bando o en otro. Porque eso es siempre efímero, ilusorio y estéril.

     

    Eremitorios. Ser pájaro sin poder volar. Entre tanta red, enjambre y devenir hay veces que uno necesita estar-en sí, para mejor estar-con, ser planta, pájaro, agua o viento, para volver cada uno como pueda a la fidelidad poética de la que habla Bachelard. Pasear como María Zambrano, en una penumbra creadora, germinal, donde se van dibujando por sí mismas las cosas. La relación del ser con el espacio, el lugar. O el varón rampante que se fue por las ramas y nunca más bajó. Mi amiga Natsu, que dejó de dedicarse al arte porque creyó, tras meditarlo bien, que no tenía nada que decir, al menos de puertas hacia afuera. Un poco menos de copia-pega, un poco menos de todo, como la hoja que es pájaro aún sin poder volar.

     

  3. 1. Raíces, enjambres, redes y eremitorios se ha hilvanado con la lectura de “La vita delle piante. Metafísica de la mescolanza” de Emanuele Coccia (Il Molino).

    Nota: la imagen es un frame del documental colaborativo Red Difusa, creado colectivamente bajo la coordinación y montaje final de Hadriana Casla, dentro del proyecto Culturarios. Humus de iniciativas culturales en el campo, donde la sincronía de las imágenes de Beetime con mis palabras, sirven de apoyo al texto.  

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  4. VVAA. Habitar la Belleza. Testimonios de una vida en el campo.

    ed. Más Madera. Oviedo, 2022

    disponible en librerías y en la web de la editorial. Participo con el texto:

    Virginia López  "Ahora ya no se cae. Yo te quise desde el primer día".

    Sinopsis libro: Habitar la belleza. Testimonios de una vida en el campo se propone como reflexión sobre las distintas formas de habitar la aldea, en contacto con la Naturaleza y con la cultura que la ha transformado. Los autores aquí reunidos tienen en común que proceden de un medio urbano y han buscado en el campo un lugar de inspiración, una forma de vida, un ritmo vital distinto al que ofrece la ciudad. A través de estos relatos quedan definidas algunas formas de vida,  observaciones, experiencias y reflexiones críticas, que sirven para comprender al nuevo habitante rural. La percepción que este tiene del espacio, es necesariamente distinta de quienes han nacido y planificado su futuro inmersos en una economía y en unas formas de vida agrarias. Los autores aquí reunidos, desarrollan actividades que no guardan relación con las del campesino tradicional, sus intereses difieren también de aquellos que desempeñan trabajos agropecuarios, más o menos intensivos e industrializados, en explotaciones concentradas en los márgenes de las aldeas o dentro de ellas. Comparten con el campesino el territorio y los ritmos de la Naturaleza, pero su punto de observación es otro. Esto permite comprender otras realidades y analizar la cultura rural desde nuevos horizontes

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  5. KIT PEDAGÓGICO. Hacia una ciudadanía agropolitana.

    PACAbooks 2022. 

    Autores:
    GRIGRI, Virginia López, Daniel Franco y Fernando Oyágüez

    8 cuadernitos pedagógicos que recogen, con voluntad divulgativa, los aprendizajes asociados a un conjunto de acciones y prácticas artísticas, paisajísticas y experienciales que fueron realizadas a lo largo de 2021 en las aldeas de Trubia y Veranes (Gijón) en el marco del programa Hacia una ciudadanía agropolitana,  un proyecto deVirginia López desarrollado en colaboración con LABoral Centro de Arte y Creación Industrial. 

    Con esta serie de pequeños manuales queremos abrir la posibilidad de vincular las metodologías empleadas en el desarrollo de estas acciones con el Currículo de Educación Primaria del Principado de Asturias, facilitando su lectura en clave práctica y aplicada y dando pie a que el profesorado y la comunidad educativa se las apropie y pueda imaginar nuevas acciones a partir de lo que aquí se recoge.

    Concepto, Diseño gráfico y maquetación: GRIGRI y Magathings (María García)
     D.L. AS 00051-2022.

    disponible online: https://agropolitana.wordpress.com/kit-pedagogico-hacia-una-ciudadania-agropolitana/

    Presentaciones y Activaciones del KIT:

  7. Ser gota, ser agua, ser oceano from El Cubo Verde on Vimeo.

    “Somos agua, gotas, persistentes y únicas, somos manan- tial y torrente, somos cauce, ríos que atraviesan pueblos y finalmente mares, somos aguas vivas y aguas tranquilas, depósitos de memorias. Saberse gota en la vastedad es no estar solos, es formar parte de una idea y proyecto común (...)“

    Virginia López, Ser gota, ser ríos, ser océanos. Arte y vida, fiebre y lanza, 2020. 

    Texto para el MANIFIESTO de la red El cubo verde. MANIFIESTO COMPLETO:  https://elcuboverde.org/el-cubo-verde-manifiesto/

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  8.

    A propósito del proyecto

    Hacia una ciudadanía agropolitana

    Virginia López "Eremitorios agropolitanos: Acción artística y saber tradicional se unen en un proyecto para revitalizar hórreos y paneras en Asturias".

    Revista PH n. 103 del Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico. 

    revista PH103 (2021) / artículo en PDF

  9. Virginia López. Un’ altro tempo. 

    A propósito de  nuestro proyecto casapicta. Texto incluido dentro del catálogo del proyecto "Re_Hacer", Portillo.2021, obra Horizontes para Teresa (aunque no los necesite).

    Esta vez va de artes y oficios, arte y artesanía, arts and crafts, mano que piensa, belleza que es idea corpórea y cotidiana y que por tanto contagia, es participada. Estoy pensando en William Morris y santa compañía, en los Omega workshops de Roger Fry con el grupo de Bloomsbury y Dora Carrington, (y la exposición que la maravillosa Lea Vergine montó en el Mart de Rovereto en el 2012 “Un’altro tempo”). También en la comunidad de Monte Veritá, todos movimientos donde la belleza, la frágil libertad y la utopía de hacer un mundo mejor se hicieron tangibles, (...)

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  10.

    Virginia López: "Habitantes Paisajistas: Living Landscape | Contextos locales-procesos comunes"

    artículo publicado en el volumen 6.número 2 de la Revista [i2] "Investigación e Innovación en Arquitectura y Territorio". Universidad de Alicante. Diciembre 2018

    https://i2.ua.es/article/view/13075

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  11. Virginia López. Landscapes are spaces of embodiment and mutability

    Landscapes are events.  

    http://www.roots-routes.org/?p=19778

    TEXTO publicado en la revista ROOTS &ROUTES, n.24 #PARTICIPATION. research on visual cultures, Italia.  enero-abril 2017.

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  12.

    continuar leyendo (notas de la intervención)

    II Foro Cultura y Medio Rural. Miradas desde lo contemporáneo.

    16 y 17 de mayo de 2018. Segura de la Sierra, Jaén

    Organizado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, en el marco del Festival Música en Segura.

    video de la mesa Cultura, territorio y prácticas contemporáneas: nuevos relatos para el medio rural. La importancia del lugar y los tiempos. • María Montesino. Plataforma Cultural La Ortiga. Cantabria. • Virginia López. PACA_ Proyectos Artísticos Casa Antonino. Trubia, Asturias. • Dori López Jurío. Gobierno de Navarra.

    info general https://culturayciudadania.culturaydeporte.gob.es/cultura-medio-rural.html

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  13.

    Virginia López, De las cosas a las gentes

    apuntes y reflexiones: A propósito de memoria y archivo y la invitación al proyecto "Espacio Común. Laviada" 2018

    proyecto: http://virginialopezvl.com/de-las-cosas-a-las-gentes/

    La esencia de la ciudad, es decir, el contacto, la regulación, el intercambio y la comunicación, proyectada en el espacio público (calles y plazas) se va perdiendo, para ser substituido por la casa, un papel cada vez más preponderante de las redes, y los espacios privados de ocio, compra, transporte, etc. En la nueva conurbación se han perdido las bases epistemológicas que llenan de sentido a la ciudad. La "ciudad sostenible": Resumen y Conclusiones José Manuel Naredo y Salvador Rueda. 30-06-1997.  

    La reivindicación de ejercicios de memoria parece responder a la necesidad de un pueblo de desmemoriados, donde el exceso de información de nuestra sociedad actual, catapultada a un presente continuo, provoca amnesia. Una sociedad, que como escribe Marc Augé (1), no tiene tiempo ni siquiera para generar ruinas sino sólo escombros, dado el ritmo acelerado de construcción y destrucción del presente. Si la mujer o el hombre romántico frente a las ruinas meditaba y se hacía consciente del tiempo histórico, el tiempo humano, hoy nosotros, carecemos del objeto a partir del cual realizar cualquier reflexión histórica sobre nuestra propia identidad, temporalidad y devenir futuro. Sin embargo, tengo la impresión que nunca tanto se archivó, catalogó, memorizó, restauró, conservó y museizó, para al final, seguir llenando edificios de restos y reliquias polverosas, cultura cosificada.

    Furor archivístico generalizado como forma de cuestionamiento de la narrativa oficial y su construcción de la historia/verdad, problematizando la aparente neutralidad del acto de archivar/memorizar (que es siempre una selección en la que algo queda excluido, a través de la cual se intente legitimar el presente y encauzar un presunto futuro común). Cuestionamiento que hace necesario por parte de investigadores y artistas la creación de nuevas memorias y discursos que incluyan aquello que ha sido objeto de desmemoria, tabula rasa o manipulación. Los archivos se han desordenado y se han sacralizado dentro del arte contemporáneo, hay una fiebre de archivo.

    ¿Es el archivo una wunderkammer de la historia oficial y de las historias mínimas? ¿Qué sucede con los archivos y objetos salvaguardados una vez descontextualizados y fuera de uso vital-fuera de su contexto de producción? Recuperar y escribir una historia no escrita, una memoria a punto de ser olvidada, responde al impulso primario de salvar y almacenar memoria frente al temor del olvido (“la pulsión de muerte”), pero ¿para qué?  Cómo hacer para que ese nuevo archivo, nuestro, subjetivo no más que otros al fin y al cabo, sea de verdad una máquina relacional al servicio de nuestra construcción responsable del presente? Quizás un recurso plausible sea  a través de un proceso compartido, vivo, de talleres y encuentros de los que después quizás quede algún tipo de registro formal o artístico, pero cuyo valor radica en el qui ed ora de la misma acción, en cuanto espacio común de reflexión y escucha. Archivo incompleto, archivo abierto como espacio de intercambio. Creo que eso es lo que me motiva en el proyecto Habitantes Paisajistas que desarrollo en Cenero:  espacio vivo, de contacto diario y continuado en el tiempo, capaz de generar o activar sensibilidades que podrán modificar nuestra experiencia y percepción cotidiana de lo existente y de lo que está por venir. Y aquí tomo en préstamo una frase de una amiga y artista que me resuena de tanto en tanto, Bárbara Fluxá: "más que la obra es el sujeto el que se compromete (o no) con el mundo que le rodea".

    Esta obsesión por la memoria y el archivo dentro de la práctica artística contemporánea  (cuya genealogía intelectual se encuentra en The Arcades Project de Walter Benjamin, el Atlas Mnemosyne de Aby Warburg y las series fotográficas de August Sander) parece responder también a lo que De Certeau (2) definió como la belleza de lo muerto, se  musealiza aquello que "se ha convertido en un objeto de interés porque su peligro ha sido eliminado" (De Certeau, 1999:47) como una especie de monumento para fijar lo que ha de ser arrojado definitivamente a un pasado sin retorno, o en el mejor de los casos como acto poético al ser conscientes del escaso impacto que cada uno de estos gestos nuestros tiene, lo poético claro, es intentarlo. 

    Dos mundos han desaparecido y están inter-relacionados: la cultura campesina y la cultura o conciencia obrera. Toda una cultura material (“objetos” y conformación física del paisaje urbano y rural) que es indisoluble del entramado simbólico (creencias) y social. El Gijón obrero en cuyo contexto se sitúa la fábrica de Laviada (SAL, Sociedad Anónima Laviada) ha dejado paso a un Gijón con sal, promoción turística en el contexto de las ciudades creativas, mientras el canto de la modernización y del desarrollo industrial de Gijón desde la segunda mitad del s.XIX, fue vaciando pueblos y caserías en toda Asturias. Ellos serían quienes ocuparían los nuevos barrios obreros de Gijón, el campo sigue viviendo en la memoria de sus gentes, en nuestras biografías, al menos hasta mi generación…

     El nuevo hábitat ciudadano es una especie de molde, o mejor, un aparato ortopédico que sirve para enderezar al nuevo hombre. De forma que, viviendo en tal medio, el hombre artificial del presente sea el hombre sin raíces del futuro. “La urbe totalitaria”, Miquel Amoros, (2006) en Urbanismo, espacio y dominación.Varios autores, La Nurosis o las Barricadas Ed. (3)

    Dos desapariciones. Dos bellezas muertas. Restos, residuos, cosas, estudios y catalogaciones. Palabras. Polvo.

    La aceleración en la transformación reciente del territorio rural español bajo el despotismo de las zonas urbanas, se ha producido a caballo de la mayor desertización demográfica de aquel. La desaparición de la cultura campesina, auténtica gestora y artística del paisaje de esos terrenos, no ha sido suplida con éxito por las administraciones medio ambientales; de hecho, una mítica noción de naturaleza ha suplantado al mero “campo”. Se propone la “cultura del territorio”, al modo de la cultura del agua que algunos críticos de la gestión hidráulica propugnan, como una síntesis de ciencia (conocimiento) y antigua sabiduría que reemplace con ventaja a la mera información y al simple consumo de territorio tan sólo concebido como solar edificable o parque temático natural. Fernando Parra, “La cultura del territorio: la naturaleza contra el campo”. En CIUDAD Y TERRITORIO Estudios Territoriales, XXXIX (151) 2007 (27).

     

    Frente a esta situación, ¿es posible una estética de la resistencia, del compromiso y la responsabilidad, una nueva ecología del territorio, de nuestra manera de habitar, de relacionarnos? ¿Una acción estética, creativa, manual e intelectual que propone o se concretiza en una cierta modificación del territorio? Una forma (dimensión estética, plástica) que nazca de nuestras experiencias, de lo táctil, lo relacional, lo funcional, a veces de lo incompleto y no de esquemas predeterminados y asépticos. 

    B11/ Para sobrevivir a la creciente uniformidad, la única opción es reconstituir sin cesar el mun­do interior como un niño que reconstruyese en todas partes la misma caseta. (16)

     

    La ciudad no es únicamente aquello que resulta visible y organizado espacialmente, cada ciudadano se relaciona diversamente con los espacios y objetos de su entorno, cada persona establece una serie de asociaciones y relaciones con una parte de su ciudad en base a la memoria, a la subjetividad, a la experiencia personal y colectiva de los espacios vividos o imaginados, experiencias presentes o pasadas que resignifican los espacios. Actividades, movimiento, percepciones. Creo que estos son los espacios comunes, aquellos que todavía viven en la memoria de las gentes y que se mantienen vivos gracias a las nuevas relaciones y acumulaciones que se van sobreponiendo, tejiendo a partir de fragmentos, compuestos y complejos, para ir conformando un puzle común y móvil más allá de los usos homologados para los que han nacido los diferentes espacios organizados a golpe de planes urbanísticos pre-confeccionados.

    Quizás sea la ciudad invisible (la ciudad que vive en el imaginario de cada uno de sus habitantes) el verdadero espacio común. El mundo físico exterior está soportado por una suma de imágenes mentales individuales. La identidad física está soportada por su significado. Sin él deambulamos desorientados. Su riqueza radica en la multiplicación de territorios existenciales propios. Y este es terreno fértil del arte.

    Virginia López 2018

    a propósito de memoria y archivo y la invitación en el proyecto Espacio Común. Laviada. 

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    Notas: 

    (1)   Marc Auge, Rovine e macerie/ El tiempo en ruinas, 2009. https://antroporecursos.files.wordpress.com/2009/03/auge-m-2003-el-tiempo-en-ruinas.pdf

     

    (2) “¿No es un contrasentido postular la necesidad de sensibilizar a la población rural sobre la importancia de la cultura tradicional, puesto que ésta es un elemento importante de su identidad? Si la población no da importancia a la cultura popular -lo que de hecho se supone al demandar sensibilizarla- ¿cómo puede afirmarse que ésta es un elemento importante de su identidad? Estaríamos así ante una paradoja que se puede aplicar a una situación bastante frecuente: los defensores más entusiastas de la salvaguardia de la cultura tradicional y popular no suelen ser los descendientes de sus protagonistas sino personas o colectivos que asumen, con un cierto paternalismo, tareas que responden a demandas difíciles de delimitar por lo que ellas mismas tienen de inducido” (Jose Luis garcíaGarcía 1988: 19).

    (…) Se trataba de “salvar” aquello que por remitirnos a nuestro propio pasado podría resultar de interés documental y conocer sólo lo justo de esos “salvajes o bárbaros” que no terminaban de entrar en la contemporaneidad para poder propinarles el empujón definitivo dentro del pretendido y global progreso. Mucho de lo salvable, para ser revalorizado, para empezar a parecer bello, estética y moralmente asumible, tenía que desaparecer antes de nuestra vida corriente.

    Es lo que lúcidamente denominó y explicó De Certeau como “la belleza de lo muerto”, pues si bien es verdad que este autor reconocía el derecho de la cultura popular a tener un sentido propio respecto a la hegemónica, se hallaba convencido de la asimetría y debilidad de la una respecto a la otra; y de que, como consecuencia, la “capitalización” o “puesta en valor” de la cultura popular únicamente se producía tras el gesto de represión o retirada que anulara cualquier capacidad suya de resistencia, haciéndola partícipe de las estrategias dominadoras: es de lo ya “sometido que se podría hacer un `objeto´ científico” (De Certeau, 1999: 48). Y añadía De Certeau: “La `cultura popular´ supone una operación que no se confiesa. Ha sido necesario censurarla para poder estudiarla. Desde entonces se ha convertido en un objeto de interés porque su peligro ha sido eliminado” (De Certeau, 1999: 47). Así se refería él a una cultura popular de la cual la literatura de cordel, compilada por Nisard precisamente por encargo de las autoridades del Segundo Imperio que habían decidido controlarla en Francia, sería un perfecto exponente. Y lo que planteaba claramente De Certeau era que, en lo que toca a la cultura popular, el/lo muerto empieza a ser bello cuando -o porque- muere.

    Aplicando el paralelismo que anteriormente se ha apuntado aquí entre “salvajes de dentro y de fuera”, entre prehistóricos indígenas y rezagados campesinos, supuestamente objetos de estudio, pero en realidad toscamente “museizados” y “exotizados” para su exhibición a través -muchas veces- de una etnografía restringida y en buena medida obsoleta, podría concluirse que los etnógrafos alineados en tales bandos no perseguían un fin científico de conocimiento tanto como una estratégica instrumentación de su quehacer en aras de un cambio más rápido en lo que aún no hubiera cambiado en el mundo. No se quería conocer a los salvajes, sino saber de ellos lo suficiente para cambiarlos cuanto antes. (…)

    “Etnografía”, Luis DÍAZ VIANA. Centro de Ciencias Humanas y Sociales. Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC)-Instituto de Estudios Europeos. Universidad de Valladolid (UVa). Archivo descargable en MUSAC 2015. /De Certeau, Michel (en colaboración con Dominique Julia y Jacques Revel). “La belleza de lo muerto: Nisard”. La cultura en plural [1970]. Buenos Aires, Nueva Visión, 1999, pp. 47-70.

     

    (3) cita recogida en la bibliografía [b3] del proyecto de Tamara Vignati “Tentativo de inversión”, proyecto de residencia en PACA “Eingedenken/Recordación. Trabajar para comer”. 2016.)

     

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    II. Han escrito sobre mi trabajo: 

  15. UN RELATO POLIFÓNICO.  Arte asturiano 2010-2020.

    Catálogo de la exposición

    textos: Carlos Delgado Mayordomo y  Semíramis González.

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    Diseño de Juan Jareño. Coordinación del proyecto (exposición y catálogo): Aitor Martinez Valdajos y María Parrado de Museos Gijón.

    Mi pieza "Antes de amasar el pan trabajaremos la tierra" está en la sección • Cerca del corazón salvaje • junto a las artistas Kela Coto, Andrea Rubio, Cristina Ferrández y la gran Fina Miralles.

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    Asi, frente a una concepción acrítica y estetizante sobre la naturaleza (...) las artistas seleccionadas inciden en las posibles responsabilidades del régimen de acumulación capitalista, sus patrones de producción y consumo, y las consecuencias de su globalización. Pero tambièn, indagan en la propia belleza del paisaje (...).

    Carlos Delgado Mayordomo

  16.

    Benito Burgos "Cultura, ciudadanía y territorio. Prácticas contemporáneas en la construcción y la deconstrucción de relatos y representaciones"

    (PACA on pag. 77)

    capítulo dentro de Toni Luna; Rosa Cerarols; Pere Sala i Martí (dir.). Paisajes creativos. El arte y la reinvención de los lugares. Olot: Observatorio del Paisaje de Cataluña; Barcelona: Universidad Pompeu Fabra. (Teoría y Paisaje; 3). ISBN: 978-84-09-46181-3. 

  17.

    a propósito del proyecto Culturarios. Humus de inciativas culturales en el campo

    David G. Ferreiro, "Una investigación sobre modelos culturales en el medio rural ahonda en las relaciones entre arte, territorio y población"  

    Revista PH n. 105 del Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico. 2022. revista .105 /  artículo en PDF

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  18.

    a propósito de la red El cubo verde /The Green Cube network

    "Towards sustainable arts: European best practices and policies" (chapter: Spain). 

    Boekman Foundation Institute for arts, culture and related policy. web Febrero 2022. download PDF

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  19.

    Francesca di Giorgio en conversación con Silvia Petronici, comisaria independiente. Con motivo del proyecto de residencias Come una pianta (proyecto Innesti) y su libro A piedi nudi ballano i santi. 

    Revista ESPOARTE. SEPTIEMBRE 2019. Francesca di Giorgio. Intervista a Silvia Petronici: CHI SA DANZARE A PIEDI NUDI? UN’INTERVISTA SUL VALORE SOCIALE DELL’ARTE.

    https://www.espoarte.net/arte/chi-sa-danzare-a-piedi-nudi-unintervista-sul-valore-sociale-dellarte/

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  20. textos de Silvia Petronici , Serena Medici, Silvia Pagnetti y Rebecca Arzidoni.

    Catálogo de la exposición Innesti en CACCA Bologna y proyecto de residencia. Come le piante, Ca'Innua, Bologna. Italia 2019.

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    extracto de Serena Medici

    ¿Cuál es la frontera entre naturaleza y cultura? ¿Y entre lo útil y lo inútil en el campo artístico? ¿Dónde termina el artista y comienza el agricultor en el caso de proyectos específicos [site specific projects]en el campo del paisaje y /o agrícola?

    La práctica de Virginia López socava las categorías de pensamiento cartesiano, rompe la dicotomía que coloca al artista en un espacio otro. El pensamiento se convierte en praxis a través del gesto (aprendido y continuo) de la talla en madera. La creación de injertos, con una clara función productiva en el contexto campesino, se convierte aquí en un acto inútil, haciendo igualmente un juego irónico sobre la inutilidad del arte en un sentido genérico. El injerto se convierte en una metáfora para el artista que, después de abandonar el espacio académico y regulado, se instala en el territorio agrícola y se burla de sí misma como un actor "inútil" del paisaje, que no tiene un conocimiento específico. Sin embargo, es justo este elemento extraño el que pone la atención sobre la necesaria relación entre sujetos diferentes, sobre el intercambio como fuente de vida. "La supervivencia pasa por este injertarse" (López, septiembre de 2019).

    El trabajo con las ramas de los árboles del Castagneto di Marzabotto lleva a la creación de diferentes herramientas unidas por su aparente inutilidad. Su construcción combina diferentes conocimientos artísticos y agrícolas, prácticos y teóricos.

  21. Creative Responses to Sustainability | Green Guide for Spain (2019).

    Claire Wilson, Edited by culture360.ASEF.org .web  download PDF PACA on pgs. 18-19, 31-33.

    -Claire R. Wilson, 2019. A growing concern of art and sustainability in Spain.  https://culture360.asef.org/magazine/growing-concern-art-and-sustainability-spain/

     

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  22. Silvia Petronici, A PIEDI NUDI BALLANO I SANTI.

    Silvia Petronici, "A PIEDI NUDI BALLANO I SANTI. La relazione artista-curatore nelle pratiche artistiche site specific. Arte pubblica e progetti socialmente impegnati". Oligo Editore, Mantova, Italia. 2018. ISBN 978-88-85723-33-7

     (Virginia López, pag. 172, 185)

     

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  23. DESDE LO MÍNIMO

    de Nika López, Juan Llano Borbolla y Virginia López

    artículo publicado en el n.27 de la revista Roots and Routes magazine, Italia, bajo la propuesta curatorial SENSORY HIATUS de Laura Estrada Prada. 2018.

    https://www.roots-routes.org/anno-8-n-27-gennaio-aprile-2018-sensory-hiatus/

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  24. Juan Carlos Aparicio Vega

    ARTE EN TRANSICIÓN: EL AXIOMA PROCESUAL DE LA CREATIVIDAD o el estar siendo

    Catálogo de exposición Process, CMAE, Avilés. julio-agosto 2015.

    La propia conformación de la obra de arte y, en definitiva, cada paso ocurrido en el proceso de génesis creativa y al insertar el trabajo en el espacio y su interrelación con el resto de las piezas en exposición, suman y enriquecen las propuestas que finalmente percibe el espectador. Ese asunto centra este proyecto expositivo en colaboración: una gran instalación híbrida en que coexisten diversos asuntos y donde abunda el empleo de las nuevas tecnologías y la interacción de un amplio número de disciplinas plásticas, sonoras, textuales, audiovisuales, así como el low y el high tech.

    En esta exposición de arte procesual participan varios artistas seleccionados por el comisario, crítico y artista multidisciplinar Jaime Rodríguez. Entre las piezas escogidas predomina la instalación, si bien en no pocos casos ésta aparece asociada con el vídeo, el sonido, los componentes puramente tecnológicos (instalación multimedia) e incluso la estampación.

    Los autores integrantes de Process provienen de diversas geografías e intereses, pero sorprenden los múltiples nexos que encontramos entre todos ellos. Así, desde nuestro entorno más inmediato encontramos las piezas de Emma Bi, Nel Caamaño, Virginia López, Benjamín Menéndez, César Naves, el propio Jaime Rodríguez y su trabajo en colaboración con Mind Revolution (Eugenia Tejón & Ángel González) y uh513 (María Castellanos & Alberto Valverde). Mientras, del circuito nacional proceden Julio Mediavilla, Jesús Nido y Eugenio Rivas. Por último, cubren la representación internacional el artista brasileño Marcelo de Melo y el japonés Yoshihiro Kikuchi.

    Virginia López: la naturaleza detenida

    La exquisita sensibilidad de Virginia López se presenta en esta ocasión a través de la delicada obra tituladaChanging Leaves, donde una vez más queda representado el coherente ideario artístico de la autora, preocupada por los conceptos de cambio y mutabilidad, que son llevados a su permanente mirada a la naturaleza desde el ámbito rural en que vive.

    Esta artista multidisciplinar pone su foco en aquello que se transforma con facilidad, en lo que muere y se regenera y para ello recurre a un tema tradicional en la historia del arte: los ciclos naturales. Muestra además el asunto del aguacalma a través de una grabación sonora donde simplemente se escucha el agua que corre,como un concentrado y profundo campo para la ensoñación y por tanto para la revelación, que parte de la rememoración de sus lecturas, en especial, de Gaston Bachelard y sus rêveries. Presenta el fluido como depósito de la memoria, en realidad un embalse repleto de informaciones  en forma de recuerdos y evocaciones. Su trabajo se nutre también de un poema del ecólogo británico Charles Elton, quien se refiere en su obra a los árboles que se agitan y a las hojas cambiantes, elementos centrales en el discurso de la artista gijonesa.

    En su instalación ofrece, a través de la proyección de una imagen variable, el transcurso de las estaciones, completando así todo el ciclo de 2013. El resultado es un retazo de paisaje de resonancias oníricas, concentrado en una oquedad circular, una suerte de ventana que nos lleva desde la sala de exposiciones a la frondosa copa de un peral silvestre situado junto a la casa de la artista en la localidad florentina de Arcetri.

    Pero el espacio expositivo mismo nos permite seguir con la ensoñación que la autora lleva al mismo suelo, repleto de hojas secas distribuidas por el local. Cada hoja, pacientemente recogida por Virginia López mientras caía en noviembre de 2013, al pie del árbol, fue tratada con cera natural para que perdurase su mensaje, “encapsulándola” justo al morir para adquirir así una nueva piel de cera virgen. Convierte, pues, un elemento perecedero y fugaz, las hojas caídas de un árbol, en esculturas a través del empleo de la ceroplástica. Para ello, la artista hace uso del modelado de cera de abeja que ayuda a conservar el color y en definitiva a asegurar la permanencia de las hojas, en un paciente procedimiento que repetía cada jornada hasta que el árbol se quedó desnudo un 11 de diciembre. Conseguía de este modo casi momificar elementos que acababan de perder su halo vital.

    Las naturalezas muertas de Virginia López no son pintadas, se completan con la evocación a través de medios audiovisuales del mismo árbol del que proceden y donde ya cíclicamente son reemplazadas. Logra congelar y salvaguardar el tiempo y nos lo muestra con una fuerte carga lírica a través de un bodegón de cientos de hojas dotadas ya de un pellejo de cera. Todo tiene un sentido casi ritual y ceremonial, de veneración y observación de la propia naturaleza, de la que extrae no solo el motivo sino el sentido mismo de su discurso. La sala de arte está ahora llena de reliquias provenientes del medio natural que a modo de ofrendas nos invitan a una mirada reflexiva. Lo que vemos es una auténtica revelación, plena de mensaje.

    Es Virginia López una artista-recolectora, seguramente como aquellos primitivos hombres y mujeres rupestres. Su trabajo tiene algo de alquimia, de laboratorio remoto o de taxidermista trabajando en un gabinete de historia natural.

    La cera dota a las piezas de un aspecto indudablemente frágil, enigmático y misterioso, subrayado por la proyección. Cada hoja parece un exvoto, es un momento detenido, un fósil, un elemento del pasado llegado al presente, algo que en principio estaba condenado a desaparecer pero que se preserva y se nos presenta como un fragmento de memoria.

    La autora, como en ocasiones anteriores, transforma la sala en todo un ambiente que invita a pensar en el mismo concepto del tiempo y a través de las técnicas empleadas en la propia conservación de la obra de arte.

    texto completo:

    http://www.kaosart.org/PROCESS/texts.html

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  25. http://pacaproyectosartisticos.com/wp-content/uploads/2014/09/atlanticaXXII.n34.sept-2014_lorenalozano.pdf

    http://pacaproyectosartisticos.com/wp-content/uploads/2014/09/atlanticaXXII.n34.sept-2014_lorenalozano.pdf

     

     LOZANO, Lorena (2014): “Artistas en el campo sostenible”, Atlántica XXII,n.º 34, pp. 66-69

    download PDF: atlanticaXXII.n34.sept 2014_lorenalozano

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  26. Virginia Lopez ,El tiempo trascendido de las rêveries. publicado en la revista de arte y cultura contemporànea "21 Le Mag", Asturias.2013

    Virginia Lopez ,El tiempo trascendido de las rêveries. publicado en la revista de arte y cultura contemporànea "21 Le Mag", Asturias.2013

    Virginia Lopez ,El tiempo trascendido de las rêveries. publicado en la revista de arte y cultura contemporànea "21 Le Mag", Asturias.2013

    La rêverie es en palabras de G. Bachelard ese estado de la conciencia que todos conocemos en el que nos abandonamos al fluir de un sueño a ojos abiertos, en el que la imaginación y el recuerdo, en un acto de libertad psíquica nos ofrece otra forma de percibir y conocer lo que nos rodea. La lluvia cansina y constante, olor a húmedo, apenas despiertos, aún en la cama, el reflejo fugaz de la luz entre las persianas… y la reverie, sin darnos cuenta, inicia. El tiempo de la rêverie me parece ese   tiempo trascendido  del que habla Maria Zambrano: “momentos creadores de personas” un espacio de ensimismamiento y fulgor, casi inaferrable que convive con el tiempo lineal e histórico del individuo (el Yo) y con la dimensión atemporal de los sueños (la Psique). De este estado  fluido surgen los paisajes de la exposición Paisajes de  la rêverie (Tiempo multiple)¹ : de las orillas del Pò a la abadia de Cenero, de los recuerdos de infancia personales o adquiridos a la rêverie activa y dinámica que no adormece sino que genera obras, inspira proyectos.  Las obras expuestas son una serie de estaciones singulares y a veces autobiográficas,  pero  al mismo tiempo universales, que indagan la idea de  un tiempo múltiple en el que el tiempo puro (el tiempo de la rêverie, de los paisajes “naturales”)  y el tiempo histórico (el carácter efímero de los destinos individuales) conviven.  Fruto de esa rêverie lúcida que actúa en la historia vital y presente nace el proyecto de Casa Antonino², la historia de una caseria   convertida en lugar de residencia y espacio de creación artística en la zona rural de Gijón (Trubia): work in progress…

    ¹Paisajes de la rêverie (Tiempo múltiple), en exposición en la sala 2 del Valey Centro Cultural de Castrillon, Piedras Blancas, Asturias, durante el mes  de octubre 2013

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  27. Virginia Lopez, Arte con data di scadenza, articulo publicado en la revista "I.OVO arte y cultura contemporanea", Firenze. enero 2013.

    Virginia Lopez, Arte con data di scadenza, articulo publicado en la revista "I.OVO arte y cultura contemporanea", Firenze. enero 2013.

    Virginia Lopez, Arte con data di scadenza,

    articulo publicado en la revista "I.OVO arte y cultura contemporanea", n. 20 Firenze. enero 2013. 

    traducciòn al castellano>

    Todo inició con la lectura de   Rainer Maria Rilke, Cartas a un joven poeta y la frase "(...)y lo más inexplicable de todo, son las obras de arte, exitencia misteriosa, cuya vida es eterna y opuesta a la nuestra, que se desvanece". Desde entonces, muchas cosas han cambiado en el campo del arte contemporáneo. Es aún válida esta afirmación? La mia, no es una tesis o una afirmación clara y concreta, sino una serie de interrogativos sobre la sensibilidad contemporánea. Algunos tentativos de solución se evidencian en mi trabajo: Ephemeros/misteriosas criaturas es un conjunto de obras creadas a partir del 2009  y presentadas con ocasión de la exposición en Berna, en la galeria Eletto y comisariada por Christian Herren en el 2012. Changing leaves, Fossili nelle acque durmienti  y otras obras  representan una reflexión sobre el concepto de tiempo, la idea de cambio y   mutabilidad como condición  de regeneración y permanencia , sobre la duración y persistencia de la  obra de arte, y  el valor de los materiales como contenedores y transmisores de tiempo, memoria y significado.  Una ocasión para interrogarse sobre el componente efímero en las artes contemporáneas y sobre nuestro constante  tentativo de preservar todo quello que por naturaleza es mutable, inestable y provisorio.

    A partir de los años sesenta, con el arte conceptual, la obra de arte en cuanto objeto, ha sido considerada por la parte progresista del mundo artístico, una especie de residuo, de resto, de fetiche. Intentando escapar  a su mercantilización (en rechazo a la sociedad de consumo) y a su emblasamación en el museo, se ha aproximado a la vida, y de ella ha extraido sus  materiales, pobres, cotidianos, deperibles. Sin embargo  estos mismos tentativos han sido musealizados y conservados y se asiste a la pradójica situatión de conservar lo efímero, aquello que había nacido como gesto, intuición, acción o test. En parte debido a que la máquina del mercado del arte no se detiene, se adapta y engloba, en parte debido a nuestro temor de quedarrnos huérfanos, sin pasado, sin memoria,  y por tanto sin posibilidad de construir un futuro (dimensión mnemónica del arte).

    La muerte del áurea en la obra de arte, avanzada por  Walter Benjamin en su famoso texto  La obra de arte en la epoca de su reproductibilidad técnica , viene negada cada día por parte de los museos que custodian en sus salas las obras-reliquia de quellos que contribuyeron a la destrucción de tal aurea. Quizas porque el áurea reside en el núcleo duro e indecible presente en toda obra de arte. Desde este núcleo la obra de arte emana su aurea, como inminencia de una revelación.

    Mi trabajo es una declaración de amor, quizas un tanto demodé, a un arte que pertenece al orden simbólico, percepción de conexiones y resonancias .Un arte quizás frágil, inestable, reflejo de nuestra época y de nuestra debilitada existencia, carentes de certezas y de utopias, aplastados contra un tiempo presente dilatado. El arte puede ser un gesto inaferrable, pero con vocación eterna, un fulgor que trasciende el tiempo histórico, lineal y destructor, es simple como una gota de agua, pasajero y constante como una nube que atraviesa el cielo. 

    Virginia Lopez

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  28. Giorgio Bonomi, "Il corpo solitario. L'autoscatto nella fotografia contemporanea". Rubettino editore: Catanzaro 2012. (pag. 297-298)

    L'autoritratto come poetica, oltre che come tecnica: questo libro offre per la prima volta una rassegna amplissima di artisti che usano la fotografia avendo come soggetto il proprio io, il proprio corpo. Vengono esaminati più di 700 artisti di tutto il mondo, dagli anni '70 ad oggi, da quelli più famosi ed affermati ai più giovani ed esordienti: il libro infatti vuole documentare la diffusione esponenziale di questo fenomeno artistico.

    (traducción del italiano) Particular es la técnica utilizada por Virginia López, nacida en Gijón (España) en 1975, para la realización de sus autorretratos. No le interesa la fotografía di per se, y por ello utiliza técnicas tradicionales como la goma bicromatada, el revelado por contacto o el foro estenopeico. La captura inmediata sirve a la artista para "revelar" aquello que se vela detrás del visible, posteriormente la imagen viene "protegida" por medio de capas de cera, plexiglass y pigmentos sobre soportes de papel, tela o madera. Sus rostros y cuerpos  se presentan matéricos, quizás "con-fusos", pero justo es esto lo que la artista desea: una obra que evoque la historia y, al mismo tiempo, los problemas de la existencia".

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  29. Martina Marolda, Virginia Lopez | Ephemeros 

    “I.OVO “ magazine, Dentro al Contemporaneo n. 13   pag. 42-43. maggio 2012

     Ancora una volta lo spazio ibrido e suggestivo di Lato apre le sue porte all’arte contemporanea, ospitando le note poetiche ed eterne della natura pulsante, intima di Virginia Lopez, vera e propria esperienza sensoriale e sognante che procede per manifestazioni e si snoda in un percorso archetipico.

    (…) e più indicibili di tutto sono le opere d’arte, misteriose esistenze, la cui vita, accanto alla nostra che svanisce, perdura” (Rainer maria Rilke, lettere a un giovane poeta). Riprendendo le parole di Rilke, Virginia Lopez (Gijon, 1975) pone una riflessione diretta ed aperta sul tempo, sulla transitorietà e la provvisorietà, la deperibilità della nostra esistenza a confronto con l’opera d’arte e, conseguentemente, sulla stessa capacità di afferrare e fermare il fluire inarrestabile del tempo, delle stagioni. L’istallazione Ephemeros, che la Lopez porta a Lato e che recentemente aveva presentato alla Eletto galerie di Berna, si compone di diversi momenti successivi e quasi ciclici nella loro alternanza che riflette quella ritmica delle stagioni cosi come di una vita. La natura intima, privata  indagata dall’artista consiste in una raccolta minuziosa di elementi primordiali: terra, acqua, piante, tracce umane e fossili, tutti collezionati da Lopez con la precisione e l’attenzione di un palombaro, in modo da conferire ad ogni reperto quel valore e quella preziosità che lo rende unico, quasi sacro nel suo essere.

    L’universo personale che viene svelato ai nostri occhi, nelle stanze della ex tintoria di Piazza San marco, non è altro che la commistione tra un deposito di memorie segrete e la piattaforma di lancio ed espressione di quei sogni, quei desideri più reconditi che ciascuno si porta dentro in attesa di realizzazione. “Nei lavori proposti per lato” afferma la curatrice Fabrizia Bettazzi, “il percorso si snoda in quadri/ambienti, habitat dello spazio e della mente che possiamo attraversare: arte che ci accoglie, ingresso a a fantasticherie. Reverie alla portata di tutti. Basta voler attraversare la porta custode dei ricordi, che tiene intorno a sé la terra (madre), l’acqua (che sostenta) e gli afferri indistruttibili di bambini e madri fermati per sempre da un attimo fotografico che li ha consacrati”. Dopo l’ingresso nella galleria, infatti, l’anta frontale d una porta accoglie il visitatore segnando l’inizio del percorso espositivo che, porta dopo porta, si snoda in un susseguirsi di esperienze ed immagini per approdare nel giardino zen centrale, una vasca rettangolare colma di acqua densa e ferma, silente, nella quale galleggiano dischi di cera e piante con figure ed ombre in trasparenza, vere e proprie ninfee di un’umanità richiamata o meglio rievocata in silenzio. I materiali che Virginia Lopez adotta sono essi stessi custodi del tempo: la cera liquida, forse il medium prediletto per la sua organicità ed il suo essere duttile, plasmabile e soggetto a costanti trasformazioni, cosi come l’antico metodo dell’impressione fotografica, rappresentano allora una riflessione puntuale sull’oper d’arte e sulla memoria. Piante e fiori diventano presenze embrionali “plasmate nella deperibilità della cera, duttile e che si piega ad accogliere in sé l’immagine in un equilibrio che può essere transitorio e precario”, custodite gelosamente in campane di vetro o immerse in liquidi da studio scientifico fluorescenti. La selezione del reale operata dalla Lopez è dunque capace di cristallizzare un momento e rendere quell’attimo di sospensione che allude all’immortalità. Anche le foglie sparse a terra sono ricoperte di cera, come le fotografie che riproducono sagome e parti umane: “ultimo atto di una presenza vitale, quasi un ricordo”; un’azione che sempre secondo Fabrizia Bettazzi, “procede per rivelazioni del quotidiano: ogni soggetto sembra  tornare a nuova vita, il gesto artistico lo richiama potentemente all’adesso che stiamo vivendo”.

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  30. Von Luise Baumgartner

    Arteinsuit Kunstmagazine february 2012. Pag 14-17

    Aktuell führen zwei Berner Ausstellungen das breite Spektrum zeitgenössischer künstlerischer Standpunkte besonders deutlich vor. Auf der einen Seite führt uns die junge spanischstämmige Künstlerin Virginia Lopez (geboren 1975, Gijón, Spanien) im Kellergewölbe der Galerie Eletto mit dem Zyklus «Ephemeros» in atmosphärische, nahezu sacral aufgeladene Gefilde und bildet damit einen eindrücklichen Gegenpol zu den eher verbreiteten Strömungen jungen zeitgenössischen Kunstschaffens, die auf gestalterisch stark reduzierte Installationen oder minimalistische räumlich inszenierte Videoarbeiten fokussieren. Lopez’ raumgreifende Installation im Keller der Galerie Eletto mutetdagegen fast anachronistisch an: Mit einem so altertümlichen und religiös konnotierten Material wie Bienenwachs evoziert Lopez eine quasi-kirchliche Stimmung und zitiert die traditionelle Volkskunst  der Wachsblumen – die Parallele zur liturgischen Verwendung von Wachs und Blumenkränzen (besonders im katholischen Ritus) drängt sich auf. Auch eine andere alte Kunsttechnik, die Enkaustik (heiss aufgetragene Wachs-Farbpigmente), beherrscht die Künstlerin, die in der einstigen künstlerischen Hochburg Florenz lebt und arbeitet, souverän. Das einzige Gemälde im Kellerraum zeigt eine Blumenwiese in bester historischer Milles-fleurs-Manier; Das Bild ist mittels Enkaustik detailreich auf Holz gemalt und in matten Grünschattierungen gehalten. Die immer gleichen Pastell-Farbtöne (samtenes Grün, wächsernes Beige) und die naturalistischen Blumen- und Rankenmotive ziehen sich durch die ganze Installation und sorgen für einen starke optische Stringenz. Im dämmrigen Licht entsteht dadurch ein seltsam verwunschener, unwirklicher Eindruck. Lopez hat in diesem kleinen Kellerraum ein eigenes lauschiges Biotop geschaffen; besonders der Teich mit den schwimmenden bebilderten Wachsstücken in der Raummitte gemahnt an eine kleine Gartenszenerie – ein veritabler «Hortus conclusus» wird da heraufbeschworen (womit wir wieder beim Religiösen angelangt wären). Diese zauberhaft-verspielte, fast etwas stilisierte Bildsprache hebt sich doch deutlich von vielen vorherrschenden gestalterischen Prinzipien anderer  junger Künstler der Gegenwart ab. Die Beschäftigung mit der Vergangenheit Vergangenheit beziehungsweise der Rückbezug auf frühere Zeiten und Geschehnisse ist bei Lopez Programm.

    Dass Gegenwart und Vergangenheit ineinander verschränkt sind und das Gestern stets ins Heute hineingreift, scheint eine grundlegende Prämisse von Lopez’ Schaffen zu sein. So zeigt auch eine kleinere Installation im Erdgeschoss der Galerie auf den ersten Blick ein idyllisches Ensemble, das spontan keine negativen Assoziationen hervorruft: Ein kunstvoll verblichenes Familienfoto – scheinbar geschmäcklerisch auf einer alten Holztür angebracht – und ein kleines Gefäss mit wachsenden Pflanzensprösslingen nehmen das Gartenthema vermeintlich wieder auf. Allerdings gibt es hier, im Gegensatz zur Situation im Keller, einen Störfaktor, welcher den historisch-biografischen Gehalt dieser Installation transportiert: Die Kupferröhren, die aus dem Gebilde ragen, erinnern an die neu verlegten Leitungen am Fluss, der an Lopez’ Jugendhaus in Spanien vorbeifloss. Das Haus der Familie sollte ursprünglich im Zuge eines Renaturierungsprojekts abgerissen werden – tatsächlich wurde dieses Naturschutzvorhaben aber nie ausgeführt, sondern man verlegte stattdessen besagte Röhren, was Lopez und ihre Familie stark erschüttert haben muss. Ohnehin hat die Künstlerin keine Scheu, ihren Körper und  persönliche Anekdoten künstlerisch zu nutzen und somit ein gewisses autopoetisches Konstrukt zu schaffen.

  31. Claudio Cosma en CALENDARIO DRACONIANO


    a cura di Collector of Contemporary Art vs Claudio Cosma.
    pubblicato il sabato 25/02/2012
    Cultura Commestibile 
    Il Nuovo Corriere di Firenze

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  32. Matilde Puleo, texto para el catàlogo de la exposiciòn Visivagante

    Galleria Tornabuoni, Firenze, Italia. 2009.

    Le opere di Virginia López insinuano risposte emotive appese a quei sentimenti che sappiamo essere sempre in bilico tra nostalgia e malinconia. Richiamando le atmosfere della penombra o del quasi giorno, con superfici sempre luminose e trasparenti,  queste opere sono avvincenti incursioni nel regno della variazione dell’impercettibile e del provvisorio.

    L’artista raggiunge questi risultati cancellando i dettagli di superficie troppo aneddotici e puntando all’essenza. È così che scopriamo che un corpo non lo si ha. Che un corpo lo si è con tutto quel che di memoria e di storia esso pur portandoselo inciso addosso è sempre pronto a dimenticare o a perdere. Con un’intensità visiva trattenuta e quasi implosa, López decide allora di chiudere e spesso di filtrare ciò che può andare perduto e con un processo pittorico che ne offusca la visione, lavora allo scopo di preservare il segno di esistenze che si direbbero ridotte al minimo. La testimonianza del corpo lasciata sull’opera è quindi diretta ma mai invasiva; tessuta da trame complesse in cui prendono parte l’uso della cera (a racchiudere e proteggere l’eccessiva esposizione del corpo), della gomma bicromata, di oggetti reali e del pennello su superfici dipinte o fotografate. Il tratto gestito con astuta circospezione, non esagera né ostenta e quindi l’immagine che appare si svela solo ad uno sguardo più attento.

    In questa ultima ricerca la meditazione sulla vita come passaggio e attraversamento è ancor meno fermo e compiuto che in passato. L’attenzione rimane puntata su ciò che rimane del passaggio del tempo, su ciò che continua ad esistere, ma che deve essere protetto e salvato. In questa nuova serie di lavori compaiono dunque giovani uomini e donne ai quali l’artista concede di vestirsi autonomamente, svincolandoli da ciò che rappresentano e lasciandoli vivere nel fragile tempo della memoria. Attori o martiri di altri tempi, per questi personaggi non ha importanza quale sia il nodo da sciogliere, il nesso trainante, la sorte della rappresentazione o il dolore sofferto. La loro destinazione finale è ancora da stabilire e quindi essi, nel frattempo, possono se vogliono, trasgredire non solo ciò che l’osservatore vi proietta, ma anche ciò che essi stessi chiedono alla loro storia.

    Lontana da qualsiasi carattere narrativo, queste immagini non raccontano che per frammenti. Compare così il bianco distribuito sul plexiglass che come un sudario avvolge e tutela le figure; appaiono i colori dello sviluppo fotografico con le loro atmosfere sognanti e un po’ retrò e ancora oltre, aleggia la malinconia emanata dalla lettura appassionata di Pessoa e il ruolo assegnatogli di cospargere le sue parole sui contorni mai pienamente definiti di queste figure. Questa dimensione sognante che facilita la dolcezza di certe sfumature lascia spazio anche ad un’altra serie di elementi compositivi realizzati nei due modi più consoni al lavoro: sia per sottrazione di corpo e quindi tramite impronta (ad esempio, di forbici e filo spinato); sia per aggiunta materiale di corpi reali come il fil di ferro. Livello di composizione quest’ultimo, che libera il lavoro di Virginia López dalla dilatazione eccessiva dei toni delicati e lievi portandola verso esiti più patetici che impediscono che il rapporto con l’esterno abbia luogo. Una composizione meditata quanto basta per lasciare l’artista fedele al proprio immaginario e consapevole del proprio cammino.

    Matilde Puleo

  33. Manuela de Leonardis, artículo en "Exibart"magazine, enero 2009. exposiciòn Virginia Lopez, galleria Dora Diamanti Arte Contemporanea, Roma. Italia.